Pop Art

El arte pop es un movimiento artístico que surgió a mediados de 1950 en Gran Bretaña y en la década de 1950 en los Estados Unidos . El arte pop desafió la tradición afirmando que el uso de un artista de los productos producidos en masa visual de la cultura popular es contiguo la perspectiva de las bellas artes . Pop extrae el material de su contexto y aísla el objeto, o lo combina con otros objetos, para la contemplación. El concepto de arte pop se refiere no tanto a la propia del arte en cuanto a las actitudes que llevaron a ella.

 El pop art emplea los aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los comicos y los objetos cotidianos.Es amplia mente interpretado como una reacción a las ideas entonces-dominantes del expresionismo abstracto , así como una extensión sobre ellas.Y, debido a su utilización de los objetos encontrados y las imágenes es similar a Dada . El arte pop es objetivo de emplear las imágenes de popular en comparación con la cultura elitista en el arte, haciendo hincapié en lo banal o kitsch de los elementos de una cultura determinada, a menudo mediante el uso de la ironía . También se asocia con el uso de los artistas de la mecánica medio de técnicas de reproducción o de la prestación.

Gran parte del arte pop se considera incongruente, ya que las prácticas conceptuales que se utilizan a menudo hacen que sea difícil para que algunos comprendan fácilmente. El pop art y el minimalismo son considerados como movimientos artísticos que preceden arte posmoderno , o algunos de los primeros ejemplos del arte posmoderno sí mismos.

El arte pop toma a menudo como su imaginación lo que está actualmente en uso en la publicidad.  El etiquetado de productos y logotipos de ocupar un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas pop, como en el Latas de sopa Campbell etiquetas, por Andy Warhol .Incluso el etiquetado de la caja de cartón que contienen artículos al por menor ha sido utilizada como tema en el arte pop, por ejemplo, enWarhol Caja de Jugo de tomate Campbell 1964, (foto abajo), o su Brillo Soap Box esculturas.

El Pop Art se divide en cuatro fases

La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.

La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.

Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.

La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.

Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".

Surrealismo

El Surrealismo o Superrealismo es el movimiento artístico nacido en Francia después de la I Guerra Mundial. Lo definió André Breton en su manifiesto de 1924. Tiende a representar, abandonando toda preocupación estilística, la vida profunda del subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El arte surrealista es inmediato, irreflexivo y está despojado de toda referencia a lo real.


El surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias. El órgano portavoz del movimiento fue la revista Litterature dirigida por un grupo de poetas (Bretón,Soupault, Aragón y Eluard) fundada en 1919. Estos poetas adoptaron la palabra surrealismo para definir un método de escritura simultánea con el que estaban experimentando:


...Surrealismo: Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas...


Tal fue la definición del término dada por los propios Bretón y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como movimiento literario en el que pintura y escultura eran concebidas como consecuencias plásticas de la poesía.

Precedentes del Surrealismo

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.

Los artífices del surrealismo

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Cubismo

A principios del siglo XX surgen en forma simultánea y en constante interrelación las llamadas vanguardias o “ismos” artísticos, que rompen con los lenguajes tradicionales paralelamente a la ruptura con las antiguas formas de vida.

El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.

El descubrimiento del arte negro, la exposición de Cézanne en 1907 y la poesía de Apollinaire y  Max Jacob  se convirtieron en las principales influencias del nuevo  estilo.

Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas  rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este sentido, son muy significativas dos frases representantes de este estilo,Picasso, “Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo”, y Braque, “Los sentidos deforman, el  espíritu forma”.El artista de este momento escoge un tema pictórico con un objetivo determinado, buscando los cubistas  fragmentar un tema y ordenarlo en una composición.Pablo Picasso (1881-1973), tras atravesar su “período azul” y su  “período rosa”, pinta “Las señoritas de Aviñón” (1906),  obra que marca el inicio de su etapa cubista.

No obstante, el cubismo no será más que una etapa en la extensa producción de Picasso, que sin cesar investigará, abriendo nuevos caminos estéticos, y atravesará diversos períodos.Junto a Picasso, la otra gran figura del cubismo esGeorges Braque (1882-1963), con una producción marcada por la predilección por las naturalezas muertas. 

A partir de 1912 introduce el procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de papel: es el collage o papiers collés, recurso muy utilizado posteriormente por los dadaístas y surrealistas. Otros destacados cubistas son Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger, que buscó cierta simplificación de las formas en su obra por medio de estructuras tubulares y figuras de autómatas, Albert Gleizes, Jean Metzinger,  los hermanos Duchamp y el futuro dadaístaFrancis Picabia.

Variante del cubismo es el orfismo, una suerte de síntesis del cubismo y el fauvismo, representado en la obra de Robert Delaunay (1885-1941), cuyo “arte puro” se aproxima ya a la abstracción total.

El nacimiento del cubismo constituye uno de los hitos del arte contemporáneo,ya que representa la ruptura definitiva con la pintura tradicional, distinguiéndose dos fases en este ismo:

a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos geométricos superpuestos

y con  una gama cromática restringida. No es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los objetos como se sabe que son, no como se ven.

b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.

Impresionismo

El Impresionismo es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un determinado estilo musical de principios del siglo XX.

El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.

Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron la impresión lumínica mediante la eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada también preludió la de los impresionistas franceses.

Los precursores inmediatos del impresionismo fueron los ingleses John Constable y J.M.W. Turner. Cuando Monet y Pissarro vieron por primera vez sus obras en 1871 se sintieron conmovidos por la atmósfera y los efectos difusos de luz característicos de la pintura de Turner. Los pintores de la Escuela de Barbizon fueron también antecedentes del movimiento impresionista francés.

Treinta años antes de la primera exposición impresionista, Camille Corot, miembro circunstancial de la escuela de Barbizon calificado en ocasiones como padre del impresionismo, interpretaba los fugaces cambios lumínicos en una serie de temas pintados a diferentes horas del día.

Eugène Louis Boudin, un pintor preimpresionista, que fue maestro de Monet, enseñó a sus discípulos a expresar un sentimiento de espontaneidad en sus obras, mientras que el realista Gustave Courbet alentó a los impresionistas a buscar su inspiración en la vida cotidiana.